Comment créer une piste électronique impressionnante : Production musicale d'introduction pour FL Studio : 6 étapes

2025 Auteur: John Day | [email protected]. Dernière modifié: 2025-01-13 06:57

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Ce guide Instructable aidera les producteurs de musique débutants à intermédiaires à utiliser FL Studio pour créer divers genres de musique de danse électronique. Il passera en revue les éléments de base de la création d'une chanson, dans le but de détailler les trucs et astuces de base que les nouveaux producteurs trouveront utiles pour innover avec l'interface intimidante de FL Studio.

Bien que tous les aspects de la production musicale ne soient pas couverts, certains des sujets les plus importants seront introduits. Les producteurs intermédiaires bénéficieront également d'une explication du processus créatif ainsi que de conseils de mixage et de synthèse.

De quoi as-tu besoin:

· FL Studio 10 ou version ultérieure

· Synthétiseur logiciel (Massive, Sérum, etc.)

· Persévérance

Glossaire

• Workflow – séquence réelle d'événements de création de chanson; processus répétitif de création de motifs, de structure de chanson et de mixage
• Boucle - séquence de sons qui est jouée encore et encore, peut faire référence à une décision créative dans la piste ou à un échantillon source
• Mix – la façon dont les sons interagissent les uns avec les autres; le mixage est le processus d'ajustement des niveaux sonores et des fréquences pour assurer une facilité d'écoute. Comparé à la façon dont différentes couleurs de peinture se transforment et se mélangent sur une toile
• Wrapper – la fenêtre dans laquelle FL Studio ouvre différents plugins
• Riser - Un son unique ou en couches tel qu'un lead ou un "sweep" qui augmente lentement en hauteur ou en volume afin de créer un effet d'accumulation Downsweep - Un outil de transition qui est essentiellement l'inverse d'un riser

(Source de l'image:

Étape 1: Avant de commencer la chanson

Noter:

De nombreux producteurs trouvent utile de planifier avant de créer des sons. Si vous êtes à l'aise pour sauter directement dans la piste, alors allez-y par tous les moyens. De plus, gardez à l'esprit qu'il n'y a AUCUNE règle en ce qui concerne le tempo ou les décisions créatives pour la production musicale.

Commencez par sélectionner un tempo qui convient à votre genre de musique préféré. En fonction de votre flux de travail créatif, c'est peut-être à ce moment-là que vous décidez du genre et du sous-genre de la chanson. Ce tutoriel couvrira les étapes techniques pour obtenir certains sons, mais ils peuvent être appliqués à de nombreux autres genres.

Noter:

Avant de créer d'autres sons, il est important d'organiser votre projet de telle sorte qu'il soit facile de trouver chaque échantillon et sa place dans la table de mixage.

Organisation

Assurez-vous que chaque nouveau son ou synthétiseur a son propre nom, piste de liste de lecture et canal de mixage, qui peuvent tous être renommés et codés par couleur !

Nommez vos modèles de manière descriptive afin que vous n'ayez pas à les rechercher

Un clic droit sur l'élément dont vous souhaitez modifier les propriétés vous permettra de sélectionner « renommer/couleur »

Cliquez sur le synthétiseur ou l'échantillonneur et cliquez sur la flèche en haut à gauche de l'enveloppe, puis sélectionnez « piste de mixage libre », qui affecte le synthétiseur au prochain canal de mixage ouvert. Le canal de mixage peut également être renommé et coloré à des fins d'organisation

Vous pouvez également enregistrer l'intégralité de votre projet en tant que nouveau modèle afin de ne pas avoir à le faire à chaque fois. En haut à gauche de FL Studio, cliquez sur Fichier -> Enregistrer en tant que modèle.

Étape 2: Commencer la chanson

Noter:

Certaines personnes aiment d'abord créer des boucles de batterie, mais il est souvent utile de le faire plus loin dans le processus de création pour éviter le perfectionnisme qui détourne l'attention des objectifs ultimes de la chanson, qui sont la musicalité et la cohésion. Souvent, les producteurs écouteront les mêmes boucles de batterie et de mélodie en ajustant à plusieurs reprises les effets et l'égalisation pour obtenir le mix « parfait ». À l'heure actuelle, le plus important est d'avoir autant d'idées sur la table que possible. Les effets et l'égalisation seront traités dans une section ultérieure.

Échantillonnage

Il existe plusieurs façons de commencer une chanson, mais l'une des méthodes les plus populaires est l'échantillonnage. En ligne, vous trouverez une abondance d'œuvres antérieures et d'extraits sonores qui fournissent une base mélodique solide.*

1. Une fois que vous avez trouvé un échantillon approprié, faites glisser le fichier.mp3 ou.wav dans le "rack de canaux". Il est utile de connaître la tonalité et le tempo de l'échantillon d'origine, afin que la hauteur et l'étirement temporel puissent être ajustés en fonction du tempo choisi. Ajustez le bouton « temps » de sorte que votre tempo corresponde au tempo du clip d'origine, affiché en haut à gauche.
2. Un excellent plugin pour déterminer la clé d'un échantillon est "GTune" (Figure 1). Ouvrez ce plugin sur la piste de mixage "master". Jouez l'échantillon tout en regardant l'interface de GTune, et il vous dira quelles notes l'échantillon contient !
3. Faites glisser le clip de l'échantillonneur vers la liste de lecture et ajustez la hauteur jusqu'à ce que vous obteniez la clé souhaitée. Vous pouvez ajuster l'algorithme d'étirement temporel pour divers effets. Il est utile de cliquer sur l'aimant en haut à gauche de la liste de lecture et de sélectionner « aucun ». Cet échantillon constituera la base de la structure de votre mélodie et de votre chanson. Assurez-vous de réactiver l'alignement sur « cellule » une fois que vous êtes prêt à placer des motifs sur la liste de lecture !

Étape 3: Disposition de la piste

Noter:

L'intro réelle d'une grande partie de la musique électronique est le plus souvent caractérisée par des boucles de batterie et des effets sonores qui deviennent de plus en plus complexes, jusqu'à ce qu'une « panne » mélodique soit introduite. Cette section est celle où vous avez le plus de flexibilité en termes de longueur. Il est important de ne pas sauter directement dans le « viande et pommes de terre » de la chanson, surtout si votre objectif est le succès commercial.

Structure de la chanson

1. Introduction
2. Panne
3. Accumuler
4. Tomber
5. (Répétez 2-4)

Il est important de faire une transition en douceur entre ces sections de la chanson en utilisant des risers, des downsweep et des drums. Selon l'énergie que vous voulez que votre chanson soit, la panne entière peut être une accumulation à la baisse. Cependant, de nombreux artistes trouvent qu'une panne lente ou simple offre une marge de manœuvre pour une piste autrement compliquée. Les thèmes communs dans une ventilation incluent les accords de piano, les synthés « courageux » et les échantillons vocaux.

Étape 4: Construire une fondation

Mélodie de base

Ouvrez un synthétiseur tel que Sylenth1, Serum ou Massive et sélectionnez un préréglage simple tel que piano ou cuivres pour faciliter l'écoute. Pour les morceaux plus progressifs et plus longs, il est souhaitable de créer une mélodie d'au moins 8 à 16 mesures afin qu'elle ne devienne pas trop répétitive. Pour les chansons plus énergiques, une mélodie à 4 mesures qui varie tout au long pourrait être suffisante si d'autres sons sont modifiés

Cliquez sur votre synthétiseur et ouvrez le piano roll. Vous pouvez placer des notes soit en utilisant l'outil crayon pour placer les notes une à la fois, soit l'outil pinceau pour cliquer et faire glisser pour plusieurs notes d'affilée. Il peut être utile de jouer l'échantillon tout en créant votre mélodie pour s'assurer qu'ils restent dans le temps et dans la tonalité

Une fois que vous avez une mélodie, vous pouvez commencer à créer le « patch » du synthétiseur ou la caractérisation et le timbre du son

Trucs et astuces de mélodie

Copier la mélodie et la décaler d'une octave vers le haut ou vers le bas donnera un effet "accord" - le moyen le plus rapide de le faire est d'appuyer sur ctrl+A, puis ctrl+C, puis ctrl+V, et enfin ctrl+shift+haut ou bas La Flèche. (ctrl+flèche haut ou bas décale les notes sélectionnées d'un demi-ton)

La musique house est extrêmement diversifiée, et donc les mélodies peuvent être très simples ou très complexes. Essayez de combiner deux mélodies différentes avec des sons de synthé différents pour une progression dynamique

Certains synthétiseurs ont une fonction « legato » qui « passera » à la note suivante si elle est déclenchée avant la fin de la suivante. Activez cette fonction sur votre synthétiseur et étendez les notes sur lesquelles vous souhaitez que cet effet se termine après le début de la note suivante

Voici un exemple de 3 mélodies superposées, et comment elles peuvent facilement s'intégrer dans une chanson house mélodique !

Étape 5: synthèse

Noter:

Serum et Sylenth1 sont deux plugins puissants et abordables qui peuvent être achetés avec un plan de paiement de 10 à 13 dollars par mois. Il n'est cependant pas nécessaire d'acheter des synthétiseurs, car certains des plugins gratuits les plus simples de FL Studio sont extrêmement puissants. Bien que ce Instructable montre Sylenth1, les astuces peuvent être appliquées à n'importe quel synthétiseur.

Pistes

Votre chanson inclura probablement plusieurs types de « leads », qui seront définis comme des instruments mélodiques à plus haute fréquence synthétisés à partir d'une ou de plusieurs instances de formes d'onde différentes, dont les plus élémentaires incluent les ondes sinusoïdales, en scie, carrées et triangulaires. La synthèse est un processus avancé, il est donc recommandé de lire le manuel d'instructions ou de vous familiariser un peu avec le synthétiseur que vous avez choisi afin de créer votre propre piste. (Si vous êtes débutant, il est acceptable de commencer en utilisant les sons prédéfinis fournis avec le synthétiseur, trouvés en appuyant sur la flèche blanche dans le coin supérieur gauche de l'emballage.)

Super-Scie Plomb

Ouvrez le programme de votre choix et sélectionnez le préréglage initial ou "init"

Il existe quatre « oscillateurs », essentiellement des machines qui répètent très rapidement certaines formes d'onde. Dans Sylenth1, vous pouvez choisir parmi une variété de formes d'onde, chacune avec son propre son distinct. L'activation de plusieurs oscillateurs avec différentes formes d'onde peut créer des combinaisons de sonorités intéressantes. Une fonctionnalité utile est le "voicing", qui créera d'autres instances de la forme d'onde pour être toutes jouées en même temps.

Montez complètement le bouton de volume sur l'un des oscillateurs et assurez-vous qu'il est réglé sur une onde de scie

Montez les voix sur un oscillateur à 8, et montez le bouton "detune" à environ 1/3 du maximum

Si le son obtenu est trop "graveleux", augmentez la hauteur d'une octave sur l'interface de l'oscillateur. Vous disposez maintenant d'un plomb de base pour superscie !

Montez le curseur "R" où il est écrit "Amp Env"

Cela ajoutera un "relâchement" au lead, ou un court laps de temps après avoir cessé de jouer une note que le lead continuera à jouer et s'arrêtera. Le relâchement est utile pour un son plus naturel et moins brusque. La prochaine étape sera maintenant de mettre des effets sur ce lead pour qu'il sonne moins "brut" ou "dry".

Appuyez sur la case à côté de "Reverb" et "Delay". Les réglages de ces effets ne seront pas explorés dans ce guide, mais il est facile de jouer avec les réglages pour atteindre le son souhaité

Étape 6: Mélanger

Si vous ne l'avez pas déjà fait, affectez votre synthétiseur à une piste de mixage libre. Idéalement, chaque son de votre chanson aura sa propre piste de mixage afin que vous puissiez facilement ajuster leurs niveaux de volume. Le mixage est un sujet compliqué, mais sa fonction essentielle est de s'assurer que les sons d'une chanson s'emboîtent bien.

Chaque chanson se compose de fréquences allant de 20 Hz à 20 kHz, la plage efficace de l'audition humaine. Cette plage peut être divisée en sous-graves (20-80 Hz), graves (environ 80-160 Hz), médiums (160-3000 Hz) et hautes fréquences (3000-20000 Hz).

Les principaux outils pour s'assurer que chaque gamme de fréquences a la bonne quantité de volume sont le contrôle du volume et l'égalisation. Différents instruments occupent différentes gammes de fréquences et doivent donc être ajustés individuellement et uniquement à la combinaison spécifique que vous avez choisie

Il n'y a pas d'ensemble de règles qui régissent exactement comment mélanger à chaque fois. Une bonne règle de base est que si quelque chose sonne bien, utilisez-le ! Le seul problème avec cela est qu'en tant que producteur débutant, votre oreille n'est pas formée et vous ne pourrez peut-être pas identifier ce qui sonne objectivement bien

Noter:

Le processus de mélange peut être assimilé à une toile utilisée pour une peinture. Les différentes couleurs de peinture sont vos instruments, et les coups de pinceau sont votre arrangement de ces instruments. Intuitivement, si un peintre plaçait simplement plusieurs couleurs les unes sur les autres, la couleur résultante serait quelque chose de différent des couleurs d'origine et n'aurait pas l'air bien du tout ! Le même concept s'applique à vos instruments et à leurs fréquences. Si deux instruments occupent la même fréquence, ils interfèrent l'un avec l'autre et ne sonnent pas très bien du tout. Si le volume total combiné dépasse zéro décibel, les instruments « écrêteront » ou se déformeront. Il est important d'éviter les coupures involontaires. C'est là que l'égalisation et le contrôle du volume entrent en jeu.

Égalisation

Tout d'abord, ouvrez le mixeur et choisissez la piste à laquelle le synthétiseur est lié. Cliquez sur l'une des flèches et sélectionnez "Fruity Parametric EQ 2". Vous pouvez maintenant régler le volume de toute la gamme de fréquences. Généralement, il est préférable de baisser ou de « couper » les fréquences plutôt que de les amplifier, afin d'éviter l'écrêtage. Voici quelques lignes directrices générales pour l'égalisation des différents instruments.

Leads – Coupez drastiquement les graves, autour de 200-300 Hz pour éviter les conflits avec les batteries et les basses. Lorsque plusieurs leads sont joués à la fois, essayez de couper les fréquences moyennes de chaque son qui affectent le moins le caractère du lead. Boostez légèrement autour de 10 kHz si un effet « bruyant » ou « swishy » est souhaité

Basse - Coupez en dessous de 20-30 Hz pour éliminer les fréquences inaudibles qui interfèrent avec la batterie; cette étape n'est pas indispensable mais nécessaire pour les très grosses enceintes comme les clubs & concerts. Boostez légèrement de 40 à 160 Hz et coupez modérément au-dessus de 300 Hz

Kick – L'égalisation d'un kick est principalement une décision créative en fonction de la tonalité de l'échantillon. Assurez-vous que votre kick est boosté ou autour de 60-200 Hz, ce qui ne devrait pas entrer en conflit de manière significative avec la basse puisque vous ne les jouerez généralement pas exactement en même temps. Coupez les fréquences à votre discrétion de 200 à 2000 Hz, car cette plage comporte le plus de risques d'écrêtage et est la moins importante pour le caractère du coup de pied. 2-10 kHz est la plage qui déterminera à quel point votre coup de pied est "percutant", et les niveaux de fréquence dans cette plage sont généralement une décision créative

Snare - L'un des sons les plus difficiles à égaliser, augmente légèrement autour de 200-400 Hz. La gamme 500-1000 Hz a souvent des fréquences indésirables et vous devez couper sélectivement dans cette gamme. Les fréquences de 2 à 10 kHz sont les plus importantes pour le « craquement » ou le « claquement » de la caisse claire, alors expérimentez avec une légère amplification à différentes fréquences dans cette plage

Vous devriez idéalement égaliser chaque son de votre morceau, même s'il ne s'agit que de couper les fréquences indésirables. Il est toujours possible que quelque chose que vous ne pouvez pas entendre interfère avec vos instruments !

Vous connaissez maintenant les bases de la création d'une chanson dans FL Studio. Bonne chance dans vos projets musicaux !