Enregistrement et mastering d'une démo à la maison : les bases : 7 étapes

2025 Auteur: John Day | [email protected]. Dernière modifié: 2025-01-13 06:57

C'est juste une idée de base sur la façon dont j'enregistre et maîtrise la musique. Dans la démonstration de la chanson, il y a seulement deux parties de guitare et une piste de batterie, mais je mentionnerai ce qu'il faut faire avec la basse et le chant, et ce que je fais avec différents styles de musique.

Étape 1: Équipement

Bien sûr, vous n'avez pas besoin d'avoir exactement ce que je liste ici, mais ce sont des choses dont vous aurez besoin pour obtenir un enregistrement de bonne qualité pour moins cher qu'un studio pro. un micro de très bonne qualité)Support de micro (je préfère un pied de perche car il vous permet de micros sous différents angles)Pare-brise pour le chant (si vous allez enregistrer beaucoup de voix et avec différentes personnes, je vous recommande de vous procurer le pare-brise en maille métallique. C'est 50$, mais vous pouvez le nettoyer, et il dure plus longtemps.)Interface (quelque chose pour connecter le micro à l'ordinateur. La LAMBDA de Lexicon fonctionne bien et est à bas prix à 130$ est également livré avec CUBASE LE4)Ordinateur (tant que il a le pouvoir d'exécuter un logiciel d'enregistrement, utilisez-le.)ÉcouteursHaut-parleursCâbles (si vous n'utilisez qu'un seul microphone, vous aurez besoin d'un adaptateur spécial pour obtenir un enregistrement stéréo. une femelle -> deux mâles)J'ai également utilisé un deuxième moniteur parce que toutes les fenêtres obstruent un écran. Cependant, c'est entièrement une préférence.

Étape 2: Enregistrez

Il existe différentes techniques d'enregistrement. Si vous utilisez un ampli au micro, j'ai trouvé préférable de baisser la sensibilité du micro et d'augmenter l'ampli. Cela empêche d'autres sons d'entrer dans l'enregistrement, et l'enregistrement sonne plus fort, plutôt que de sonner comme plus de bruit. Pour le chant, j'ai trouvé qu'il était préférable de régler le micro afin qu'il soit légèrement au-dessus de la bouche du chanteur. cela les empêchera d'appuyer sur leur larynx. Vous voudrez également qu'ils se tiennent en retrait du micro afin qu'ils ne le dépassent pas. Une bonne distance de départ se situe entre 8 et 12 pouces. Selon le volume, ils peuvent avoir besoin de se rapprocher ou de s'éloigner (chant plus près, criant plus loin) ainsi que la hauteur (enregistrement des aigus très clair, tandis que les voix dans la gamme inférieure doivent être chantées avec les lèvres presque sur le pare-brise) pour la batterie, pour obtenir le meilleur enregistrement, vous aurez besoin de plus de micros et d'une interface différente de celle que j'ai décrite. Vous voudrez placer un micro à la grosse caisse, aux toms, à la caisse claire, au-dessus du chapeau haut de forme et au-dessus du crash. encore une fois, la sensibilité du micro n'est pas trop élevée et n'endommage pas le microphone. Autres instruments: je m'excuse, je n'ai pas encore travaillé avec eux. Lors de l'enregistrement, assurez-vous que vous vous êtes entraîné avant et que vous vous êtes échauffé pour pouvoir obtenir enregistrement parfait au début, plutôt que deux heures stressantes plus tard. Vous pouvez enregistrer directement dans la chanson, ou vous pouvez le faire section par section. (Je préfère le faire section par section. Cela rend l'édition des différentes parties plus facile à mon avis) Toutes mes excuses pour les images TERRIBLES de l'écran. Pour une raison quelconque, mon appareil photo déteste les écrans.

Étape 3: AB-ing

Si vous avez cherché à faire de la musique et à l'enregistrer, vous avez probablement entendu parler d'AB-ing la musique. Cela signifie tester l'un par rapport à l'autre. Lorsque vous faites du montage, c'est bien d'avoir une compilation de chansons bien mixées et bien masterisées. Ces chansons ne sont peut-être pas nécessairement du même genre de musique, mais quelque chose à leur sujet est parfaitement fait. C'est une question de goût, donc je ne peux pas t'aider à grand-chose. Quand tu AB ton enregistrement au montage, tu isoles une piste de l'enregistrement, par exemple, la première guitare. Vous voulez comparer le son que vous avez enregistré au son d'une autre guitare que vous voulez qu'il soit et le peaufiner jusqu'à ce que vous y arriviez. Voici l'exemple de chanson AVANT toute édition. www.myspace.com/vegabloodnight (Demo_song: pré-édition)

Étape 4: superposition

À ce stade, vous remarquerez que le son pourrait être plus gros, plus fort. Ce que vous ferez, c'est doubler chaque piste. (de préférence, enregistrez chaque piste deux fois, à l'exception de la batterie. Les différences ajouteront une plus grande sensation.) une fois que vous aurez doublé chaque piste, vous voudrez les placer là où elles sonneront mieux. Dois-je expliquer ? enregistrez une chanson directement et n'y faites rien, tous les sons sont au centre, ce qui signifie qu'ils sortent uniformément de chaque enceinte. Mais pensez à un concert. Tous les sons de la scène ne viennent pas du centre, et le son rebondit même sur vous depuis les murs, le plafond et les gens. La batterie doit toujours être au centre si vous utilisez un micro ou utilisez des boucles (comme j'ai fait). Si vous avez enregistré la batterie avec plus de micros, voici ce que vous voudrez faire: placez la grosse caisse au centre s'il n'y en a qu'un, s'il y en a deux, placez l'un légèrement à gauche du centre et l'autre légèrement à droite. La caisse claire doit être au centre. Les autres tambours doivent être placés respectivement (si votre tom basse est sur le côté droit de votre kit, alors placez-le sur le côté droit des enceintes.. etc.) Si vous avez deux guitares harmonisantes: Guitare 1: Placez gauche Copie de la guitare 1: place juste au centre à gauche. (dans cubase, je le place autour de 10-25) Guitare 2: placez fortement à droite Copie de guitare 2: placez juste au centre à droite. Guitare 1 copie guitare 1 copie guitare 2 Guitare 2Si vous avez une guitare rythmique et une guitare solo: Placez la guitare rythmique à l'extérieur (rythme: gauche 50, copie rythmique: droite 50) Placez la guitare solo plus au centre (mais pas DIRECTEMENT au centre. Lead: gauche 25, lead copy: right 25) Guitare rythmique lead lead copy Rhythm copySi vous avez une guitare rythmique et solo: Le solo est traité différemment du lead normal car il est différent. Quand quelqu'un entend une chanson, le solo est clairement différent du lead. Placez le rythme comme vous le feriez pour un lead régulier, cette fois cependant, placez les deux guitares solo au centre. Rhythm Solo RhythmBass: au centre Si vous n'avez qu'un chanteur: placez le chanteur au centre 10) Lead 1 Lead1/Lead2 Lead 2Si vous avez un chanteur principal et un choriste: Placez le leader au centre, le choriste peut être au centre car nous, cependant, j'aime que sa voix bouge. (parfois à gauche, parfois à droite. mais JAMAIS tout à fait à gauche ou à droite.) Lead VOOOOOOOOOOOOOOOOOOOOOOOOOX Si vous avez un chanteur lead et plusieurs choristes: Placez le lead au centre, et les autres chanteurs autour d'eux: Lead vox 1 vox 2 vox 3 vox 4 (à ce stade, vous voudrez peut-être étiqueter et/ou colorer les pistes si votre programme peut le faire. Cela aide à garder vos pistes organisées.)

Étape 5: EQ

Maintenant que vous avez les choses en couches, ça sonne mieux. Mais maintenant, vous voulez faire ressortir certains aspects de votre son enregistré. c'est là que vous ferez exactement cela. Batterie: Ce que j'aime faire avec la batterie, c'est renforcer le son, atténuer les aigus et même le son. Pour ce faire, vous éditez l'une des pistes de batterie (rappelez-vous, toutes les pistes ont été doublées) avec des extrémités de basses plus larges, abaissez les aigus extrêmes, mais amenez également les hauts-médiums. C'est le renforcement. Sur l'autre piste de batterie, vous voudrez baisser les graves, baisser les aigus extrêmes, mais faire ressortir les médiums. C'est le son d'équilibrage. Jouez-les ensemble et modifiez-les à votre guise. Lead harmonisé: Vous vous souvenez quand vous avez superposé les guitares et mis l'une à gauche et l'autre à droite ? Eh bien, ces pistes, montez les basses et baissez les aigus. Ces pistes sont utilisées plus comme le son rebondissant sur le mur, plutôt que le son direct. Les deux autres pistes qui sont plus proches du centre, vous voudrez abaisser les graves extrêmes et les aigus extrêmes tout en augmentant les médiums (les hauts-médiums davantage). c'est le son direct, qui dans les performances live, les aigus sont plus clairs lorsqu'ils sont directs tandis que les graves sont plus clairs lorsqu'ils rebondissent. Rythme et lead: Les pistes de guitare rythmique sont dures à gauche et à droite. Ici, ils n'émulent pas le son réfléchi, ils émulent plutôt une frontière côte à côte. Cela crée un sentiment d'être entouré par la musique. Avec ces pistes, vous voudrez à nouveau baisser les extrêmes, tout en augmentant les médiums (cette fois, les bas-médiums davantage). La guitare principale est orientée vers le centre, c'est donc votre son direct. Vous le voudrez plus brillant, sans perdre ses qualités costaudes. Élevez un peu les basses, baissez les bas médiums et montez les hauts médiums un peu plus haut que les basses. Guitare solo: égalisez le rythme comme vous le feriez pour un lead. La guitare solo est une chose délicate. Certaines personnes veulent qu'elle sonne exactement comme le lead, tandis que d'autres préfèrent qu'elle sonne comme une troisième guitare. Si vous voulez qu'il sonne exactement comme le lead, égalisez-le comme ci-dessus. Si vous voulez que le solo sonne différemment, doublez vos pistes solo, voire le double, de sorte que vous ayez maintenant quatre pistes solo. Placez deux des pistes solo sur les côtés (gauche et droite: 50) laissez les deux autres au centre. Les pistes gauche et droite sont traitées comme la guitare rythmique tandis que les pistes centrales sont traitées comme des pistes. Rhythm Solo Solox2 Solo RhythmBass: Vous pouvez généralement le laisser tel quel, cependant, lorsque mon groupe utilise une basse, c'est très cliquetant à cause du bassiste utilisant une technique de slapping, donc nous aimons faire ressortir les aigus. Les chanteurs… C'est le plus dur à l'égaliseur. En règle générale, abaissez les aigus et les graves extrêmes, tout en augmentant les médiums. Si le chanteur est plus aigu, faites ressortir davantage les médiums inférieurs pour compléter le son, tandis que vous voulez faire ressortir les médiums aigus des chanteurs plus graves pour éclaircir leur ton.

Étape 6: Effets

D'accord, alors vous avez enregistré votre musique, vous avez rendu le son parfait, maintenant vous voulez ajouter des effets sympas et tromper cela comme une voiture. NON ! À moins que vous ne sachiez exactement ce que vous voulez, ou que vous fassiez de la techno, la subtilité est meilleure avec les effets. Chorus: crée des sons qui sont partiellement faux J'utilise à peine le chorus. Si je le fais, il est généralement utilisé sur les voix criardes. Comme indiqué précédemment, soyez prudent. Celui-ci est délicat car, bien que l'ajout d'un peu de chorus puisse élargir une piste, un peu trop peut l'annihiler. s'il était enregistré dans une pièce plus grande. Cependant, vous ne voulez pas avoir trop de réverbération, sinon cela devient boueux. Vous pouvez utiliser la réverbération pour créer des effets plus sombres, mais ne le faites qu'après avoir expérimenté un certain temps. Lead harmonisé: utilisez la réverbération sur les pistes les plus à gauche et à droite, car ce sont les reflets du son direct de la musique. Rhythm and lead: utilisez encore moins de réverbération sur les pistes les plus à gauche et à droite. Rythme et solo Si vous traitez le solo comme une autre guitare, vous en voudrez un peu sur les pistes solo gauche et droite, tandis que vous aurez plus de réverbération sur l'une des pistes centrales. Cette piste centrale avec réverbération devra être BEAUCOUP baisser le volume, car elle deviendra très boueuse si vous ne le faites pas. Les voix principales utilisent très peu de réverbération. Juste assez pour élargir un peu le son. Jouer à l'oreille. Chœurs Utilisez un peu plus de réverbération que les voix principales, mais moins que vous ne le feriez à la guitare. Screaming utilise autant de réverbération que sur une guitare. Il est également bon d'isoler les dernières millisecondes et de leur donner une réverbération plus forte. Delay: répète une note après avoir joué Ne l'utilisez que pendant une courte période. Jamais pour toute la chanson. Et utilisez-le très légèrement. Compression: équilibre le volume de la piste Utilisez la compression sur presque tout ce qui est du son direct (ne l'utilisez pas sur les pistes à l'extrême gauche ou à l'extrême droite). Cependant, vous voulez des compressions douces, alors expérimentez jusqu'à ce que vous trouviez quelque chose de subtil qui fait ressortir les notes les plus calmes sans endommager le reste.

Étape 7: Profitez du produit final

Maintenant que vous avez terminé, vous allez devoir changer de pantalon à cause du génial que vous venez de créer. Rappel: vous devrez trouver ce qui fonctionne le mieux pour VOUS et VOTRE musique. Il n'y a pas de loi fixe ou de cadre magique. Tout est différent. Si vous débutez, utilisez ce que j'ai dit comme base et ajustez-le en fonction de votre style ou de vos intérêts. Et gardez à l'esprit que cela ne remplacera en aucun cas un studio d'enregistrement professionnel. C'est juste pour que vous puissiez produire un CD de démo pour capter l'attention d'une maison de disques, pas pour faire des disques de production complète.www.myspace.com/vegabloodnight demo_song: post-édition